Art Deco, das schon in den 1910er-Jahren in Paris aufkam, hatte 1925 seinen großen Auftritt auf der Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes in Paris — eine Weltausstellung, die ganz dem Beweis gewidmet war, dass modernes Design luxuriös, optimistisch und unverkennbar seiner Zeit verhaftet sein konnte. Der Name kam später; 1925 lief es unter Namen wie „style moderne“.

Das Timing war präzise. Europa hatte den Ersten Weltkrieg überstanden und erlebte ein Jahrzehnt bewussten Vergessens. Die organischen Kurven des Jugendstils hatten zur Belle Époque gehört; der neue Stil brauchte härtere Kanten, klarere Geometrie, eine Bildsprache, die sich nach Zukunft statt nach Erinnerung anfühlte. Architekten, Juweliere, Modedesigner und Typografen fanden zum selben Vokabular: symmetrische Geometrie, gold- und silberfarbene Metalle, strahlenförmige Sonnenlinien, gestufte Formen.

Der Stil überquerte den Atlantik und wurde auf eine ganz bestimmte Weise amerikanisch. Das Chrysler Building (1930), das Empire State Building (1931), das Rockefeller Center (1933) — New Yorks Skyline wurde im Art Deco erbaut. Die Bildsprache der Aufbruchsstimmung der Jazz-Ära war untrennbar mit Art Deco verbunden.

Die Weltwirtschaftskrise brachte es nicht um — sie machte es demokratischer. Die stromlinienförmige Variante, Streamline Moderne, übertrug denselben geometrischen Optimismus auf Massenprodukte: Radios, Kühlschränke, Toaster. Art Deco wurde zur Ästhetik des Wiederaufschwungs, zur Designsprache, die sagte, dass die Zukunft es noch wert war, gebaut zu werden.

Der Begriff „Art Deco“ wurde damals von niemandem verwendet — „Art déco“ tauchte erst 1966 gedruckt auf, im Titel einer Ausstellung des Musée des Arts Décoratifs in Paris, und wurde dann vom Historiker Bevis Hillier in seinem Buch Art Deco of the 20s and 30s von 1968 populär gemacht. In seiner Blütezeit lief der Stil unter Namen wie „style moderne“. Quelle ↗